日前，由广东画院主办、广东青年画院承办的广东青年画院个案研究系列展第二场展览“日常的注视：范敬伟、尹延坤双个展”在广东画院开展，为观众呈现一场于生活细微处凝神守望的水墨艺术对话。展览将持续至9月24日。

尹延坤的水墨笔触细密，色调含蓄，《天山脚下的养马人》《渔人码头的冬天》《喀什印象》等作品带着写实主义特有的诚恳与温度。学壁画出身的他，坚持从传统中汲取养分，却不拘泥于某一种表达形式。近日，尹延坤接受了羊城晚报专访。

真诚表达最重要

羊城晚报：请介绍一件这次参展的代表作品。

尹延坤：《天山脚下的养马人》这件作品，是我在新疆采风写生时记录下的一个寻常瞬间。这幅画构图很简单。一个人骑在马上，他的神情很舒缓、自然，表现出少数民族人民生活的松弛感。创作时，我希望融合传统的笔墨，又结合现代的生活气息。比如画中的浓淡干湿、构图章法，延续的是传统理念，但我弱化了毛笔和墨本身的属性，仅仅把它当做一种工具，来呈现更现代的视觉感受。

我觉得画画不一定强调戏剧化的情节、画面冲突，重要的是要真诚地去表达自己的想法。

羊城晚报：您经常去不同的地方写生？

尹延坤：是的，我喜欢写生。以前会有选择性地挑一些写生对象，包括人物的神态、动作甚至场景。现在，无论我走到哪，只要是来感觉了，我就会掏出本子画速写。现在的写生就是无差别地、不选择地去画对象。这是在锻炼一种表现任意素材的能力。无论人物是何种状态、动作、神态，他只要抒发了自己的情感，很自然地流露出来，画面就有可看性。

羊城晚报：本次展览主题是“日常的注视”，这些参展作品如何体现这一主题？

尹延坤：这次展览的主题与我一直以来的创作理念都十分契合。在AI时代，图像的同质化很严重，不少作品也是千篇一律。最好的创作灵感，就是真实的生活、真实的感受。山水、花鸟、人物我都会画，无论走到哪，路边的花花草草，或小狗小猫，来不及速写，我就随手拍下来。我生活在大连，常去海边和码头，看他们现场卖鱼、打鱼、吆喝，那种鲜活自然的状态让我很有感触。将它们拍下来以后，都是我的创作素材。

羊城晚报：作为北方人，此次展览在广东展出，有何感受？

尹延坤：我觉得挺好的，南北交流，北方的画家需要到南方来感受当地风土人情，南方的画家也需要到北方去感受高山大川。我在北方画画时，无论是图式、构图还是表现手法，整体感觉偏“硬”。比如表现山石，南方的处理方式更柔和。

此外，在同一个地方听到的建议、看到的风格、学到的东西终究有限。我觉得画家应该多走、多看、多学，多听听不同地域同行的意见。

比如《墨海舟山》这件作品，我当时创作的想法比较突然。原本画面上有一群人，画完上面几个人后，下方的几个人我不想画了，索性一大块墨泼了上去。画完之后我自己感觉挺好，富有视觉冲击力，对比关系也鲜明，浓淡干湿都在画面中了。不少人觉得这幅画不适合展览，但在南方，很多老师却认为效果很好。

各门类艺术都为我所用

羊城晚报：您的创作涉及花鸟、人物、山水等等，您更擅长哪类创作？

尹延坤：其实我的专业是画壁画，国画属于后期自学。在国画里面，我更喜欢人物画，它更能表现我的情感。我在车站或机场时，就喜欢观察每个人的表情、神态，很有意思。

而画花鸟和山水，对我而言就好比吃饭一样，只吃一种菜不行，多种菜搭配着吃，营养才均衡。从头至尾只画一种题材会比较单一，让路子越走越窄。此外我还写书法、做篆刻，这些都属于创作的营养来源。

比如壁画中的色彩、线条和构图都是直来直去的，视觉冲击力很强。经过长年风化之后，壁画色彩会变得很厚重。我会把这些色彩和技法挪用到国画创作中。所以我早期的作品色彩比较丰富。

再说篆刻，也讲究直来直去，全靠刀、锤子等完成。这种习惯也影响了我后来的书法，有些笔画我会借鉴刻字的方式去表现。各门类艺术之间是相互融通的。

羊城晚报：在科技高速发展的今天，艺术家该如何自处？

尹延坤：如果绘画和创作完全依赖图片或人工智能，终究是走不远的，那是无源之水，没有内涵。在短期内或许可以借助技术达到某种视觉效果，甚至迎合某些展览的需求，但作品如果缺少内在的精神支撑，就很难留下真正经得起时间检验的东西。我是第五届青年画院的画家，这个身份本身就是一种责任。我们既要传承优秀传统文化，也要真诚地反映当下的现实生活。包括年轻人的所思所感、孩子们的成长世界，以及我们周遭环境的变化，都值得以画笔去敏锐捕捉，真实地呈现。

文｜记者 周欣怡 阎回 实习生 刘子煜 通讯员 林钟漫
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