11月2日、3日晚，北京中央歌剧院大剧场气氛热烈、座无虚席。恰逢孙中山先生诞辰160周年，来自中山的大型原创话剧《中山先生》在此倾情上演，一连两天，以极简主义舞美与音乐话剧的跨界融合，以及现实与闪回交织的叙事手法，为观众呈现了孙中山从少年立志、海外看世界，到投身革命、拯救国难、振兴中华的人生轨迹。

该剧由国务院台办交流局、广东省文化和旅游厅、广东省海峡两岸交流促进会指导，中山市委宣传部、中山市文化广电旅游局、中山海外联谊会、中山市海峡两岸交流促进会共同主办，中山火炬歌舞团有限公司创作演出，是中山深度挖掘和弘扬孙中山文化资源、立足伟人故里倾力打造的重大文艺精品。连续两晚在京演出，让一个更加鲜活的孙中山形象跃然台上，走近全国观众。

从话剧舞台认识不一样的“中山先生”

随着中央歌剧院大剧场舞台灯光次第亮起，巨幅光影缓缓铺展，海浪翻涌、风声呼啸，百年前的风雨岁月瞬间扑面而来……演出现场，观众从一开场便被剧情深深吸引。

记者在现场看到，全剧的舞台设计简约大气又极具氛围感。主创团队以写意化舞美替代传统实景堆砌，三块可移动的钢铁甲板在追光中缓缓倾斜、拼接，配合层层递进的光影特效与多媒体投影，模拟出永丰舰在风浪中飘摇颠簸的危急处境。深蓝冷调的主色调，搭配偶尔刺破黑暗的暖光光束，将1922年时局动荡的时代氛围渲染得淋漓尽致。

随着演员依次登场，永丰舰上的现实困境与记忆闪回在舞台上交替展开。孙中山在炮火与颠簸中沉思、踱步；灯光切换之间，翠亨村少年立志、海外求学弃医、华侨间奔走筹款、辛亥革命缔造共和等人生片段依次闪回。舞台时空在现实主线与记忆片段之间自由跳转，叙事张弛有度。演员没有把人物往“伟人符号”上推，而是把逆境中的挣扎、坚守与赤诚落在细节里，让“振兴中华”的初心变得可感可触。每一段高潮过后，剧场内都会响起经久不息的掌声。

一连两晚的中央歌剧院大剧场里，既有专程赶来的北京市民，也有戏剧界的导演、编剧，还有孙中山先生的后人。不同的身份、不同的阅历，让他们在同一场演出里，读出了各自心中的那一位“中山先生”。

孙中山曾侄孙女孙雅丽专程赴京观演。在她看来，时值孙中山先生诞辰160周年，中山将这部本土原创话剧带到国家级舞台，更具特殊的纪念意义。“创作团队一直在对剧目进行打磨更新，演员的演出水准日益精进。”尽管此前已多次观看该剧，但这次在北京的演出仍给她留下深刻印象。她认为，话剧以独特视角呈现了孙中山作为普通人的一面，尤其是其人性中脆弱的情感维度，打破了传统宏大叙事的单一视角，让人物形象更加立体、真实。此外，剧中孙眉与孙中山兄弟情谊的刻画细腻动人，令人感怀。

北京市民杨逸凡印象最深的，是剧中一句台词——“要想守住自己的家，就要先守住自己的国”。在他看来，这句台词让他更深刻地读懂了“天下为公”四个字的分量。他说，从整部戏里，能看到中山先生从少年离家，到出国，再到立志从政的整个人生历程；而少年时的他，就和别的孩子不太一样——会质疑先贤说过的话，带着一点小小的“叛逆”。正是这份早早萌发的独立思考，让这个人物在舞台上显得格外真实。

中国国家话剧院二级编剧钟海清则看得很细。他告诉记者，自己感受最深的有两点：一是从永丰舰上的24小时里，讲完了孙中山先生波澜壮阔的一生，“这一生里有革命、有挫折，但更有奋斗、有坚持、有坚定的信念”；二是他特别喜欢那几块类似船体结构的舞美装置，“很写实，又很写意”。

主演以“真”入戏还原伟人成长脉络

舞台上那份让全场观众屏息的代入感，从来不是光靠舞美和光影撑起来的，真正让永丰舰上的百年岁月活过来的，是站在甲板上的演员们。饰演孙中山的，是一级演员沈磊。

“登上中央歌剧院的舞台，和在中山演出的感觉不一样。这里的观众来自全国各地，他们对孙中山先生各有各的理解。所以，我比任何时候都更想把这个人物的‘真’演出来。”沈磊告诉记者，塑造孙中山这个角色时，他最核心的追求就是“去神化、重人化”。在他看来，伟人题材最容易落入的陷阱，是把人物演成“结论”——观众还没进场就知道他是伟人，演员只需要把伟人的姿态摆出来。“但这样演，人物是空的。我想让观众先看见一个人，再看见这个人的选择。”

为了读懂角色，沈磊几乎读遍了孙中山先生的演讲稿。“他的演讲非常能打动人，这是他独有的人格魅力，我也努力依靠自己的台词功力去演绎这份特质。”沈磊说，整部戏中，最让他动容的，是永丰舰高处的那一段独白。这段独白取材于孙中山留存下来的文章，描摹出他心中理想新中国的模样，其中许多构想如今已经成为现实。而站在甲板制高点，演绎孙中山先生壮志未酬的遗憾与毕生呕心沥血的家国理想，也常常让沈磊深受感染，几度动容。正是这些细腻的情绪表达，让“凡人之躯承载伟人理想”的精神张力，稳稳立在了舞台之上。

这份“不把伟人当符号演”的较真，也延续到了少年孙中山身上。舞台上，从翠亨村的懵懂少年，到绝境中的革命者，一个人一生的成长脉络被完整铺开，两个不同年龄段的“孙中山”在灯光转场中遥相呼应。饰演少年孙中山的，是中山本地学子刘肖奕。此次跟着剧组登上国家级舞台，她直言头一天晚上激动得都睡不着。

“对一个女生来说，要把少年孙中山演‘真’，第一关就是‘像不像’。”刘肖奕坦言，为了贴近少年孙中山的状态，她在体态、神态、说话语气等方面下了不少功夫。当然，比外形更难贴近的，是人物心里的那份“真”。“真正走进角色后才体会到，先生心怀天下的志向并非与生俱来，而是在目睹百姓苦难中一点点生发出来的。”刘肖奕说，排练中，少年读兄长来信、隔空对话的那场戏最令她触动，“那封家书，正是推开先生看世界的第一扇门”。谈及这段戏，她印象很深：“当时担心自己演不好，压力很大，偷偷掉了眼泪，后来也得到大家的安慰。”

为了把人物演得更实，她还和同伴去过孙中山纪念公园、孙中山纪念堂，了解先生的生平事迹，看他的演讲资料和相关书籍。出演这部剧之后，她对孙中山先生有了更深的认识：“孙中山先生在年纪很小的时候，就萌生了改变翠亨村的想法，这份理想很难得，值得我们学习，要敢于创新、勇于实践。”

数年打磨铸就进京精品

舞台上的精彩呈现，背后是主创团队数年如一日的打磨。2024年11月12日、13日，《中山先生》在中山市文化艺术中心大剧场首演；2025年3月12日，该剧再次登上中山市文化艺术中心大剧场的舞台；2025年8月2日起，该剧又走进中山影视城罗马剧场演出。从剧场到景区，这部话剧在一次次演出、一次次复盘、一次次修改中不断蜕变升级。截至目前，已累计演出26场。

“从中山本地演出，到站上中央歌剧院这一国家级舞台，感受完全不一样。不管哪里的团队来到首都演出，都会带着一份紧张，也渴望把作品最好的一面展现出来。”《中山先生》制作人、导演杨春荣告诉记者，主创团队从立项、创作到排练历时数年，其间多次实地采风、组织座谈交流会，听取戏剧、文史、社科等领域专家的意见；为了更贴近历史，团队翻阅了大量孙中山先生的资料与文稿，并走进中山实地走访，聆听本地专家学者的介绍。

谈到为什么选择永丰舰这段历史，杨春荣说，这是一个反复权衡的过程。“永丰舰是孙中山先生思想上一道重要分水岭。在此之前，他寄望依靠旧军阀、旧军队推进革命；广州蒙难、困守永丰舰的绝境，让他清醒认识到这条道路走不通，必须探寻新方向，而这就是旧思路的落幕、新道路的开端。”在杨春荣看来，人往往在逆境困境之中回望来路、思考方向，永丰舰的危局天然具备强烈的戏剧冲突，便于立体展现伟人的亲情、友情与战友情，跳出扁平化的符号塑造，更能生动诠释孙中山先生“蒙难而不屈”、屡败屡战、越挫越勇的革命精神。

在舞台表达上，主创团队也刻意跳出宏大说教，尝试拉近伟人和当代观众尤其是青年群体的距离。“我们不想塑造高高在上的伟人，希望写出他的喜怒哀乐、悲欢挣扎，让人物落地、有血有肉。”杨春荣表示，剧目融合大量舞蹈、音乐编排，舞美设计上没有搭建写实封闭的舰体实景，只用三块可移动长板，配合光影叙事，给观众留出想象空间。她还表示团队希望这部剧不止于舞台，还能进一步转化为文旅项目：“希望观众看完剧之后，愿意走进翠亨村、走进孙中山故居，亲身感受中山的历史文化魅力。”

作为本剧编剧，苏州大学传媒学院副教授许静波也道出了剧本创作时的取舍考量。最初创作曾计划完整铺陈孙中山一生的经历，但很快意识到平铺直叙容易落入流水账。因此，创作团队跳出编年史叙事，抓住“一生不断寻找救国道路”这条精神主线：学习西学行不通，尝试改良救国走不通，辛亥革命虽然推翻旧形式，却未能真正改变中国的现状。1922年永丰舰上，孙中山陷入人生最低谷，昔日战友的背叛，一次次救国尝试受挫，让他不断叩问出路在哪里，也正是在绝境之中，他找到了联俄、联共、扶助农工这条崭新道路。

与此同时，全剧将“寻找光明”作为贯穿始终的核心意象。翠亨村里，孙中山曾经尝试用路灯、巡逻制度改变乡土，这是现实层面的“光”；而革命路上，孙中山挚友陆皓东等志士为追寻光明慷慨赴死，本剧也是为数不多在舞台上正面刻画陆皓东为共和献身的作品之一。永丰舰漫漫长夜之中，三段梦境反复描摹黑暗里的求索，同路人不断给予前行的力量。舞台上船行于风浪大海，人物向着光的方向奔赴彼岸，灯光意象与舞美表达相互呼应。

在许静波看来，伟人也并非只有钢铁般的意志，同样会经历迷茫、犹豫。真正的痛苦不只是牺牲流血，而是付出巨大代价之后，仍然看不到前行的方向。剧中大量独白，不仅仅属于孙中山个人，更是近代以来一代代中国人不断求索、永不停步的集体心理写照。

文丨记者 张德钢 实习生 何玲丽 通讯员 钟轩 王蔚然 罗纯 

图丨张景天